Véronique CHANTEAU
Hideo CHITA
Odonchimeg DAVAADORJ
Pascal GUICHARD
Akio HANAFUJI
Hiroshi HARADA
Takeo HIRAYAMA
Young-hee HONG
Takaaki NAGASHIMA
Maël NOZAHIC
Ritten OTSUKA
Kyoko SAWANOBORI

Hiroshi HARADA / 原田 宏 (はらだ ひろし)
Antoni ROS BLASCO / アントニー・ロス・ブラスコ
Michel SALSMANN / ミシェル・サルスマン

Pascale-Sophie KAPARIS
Akané KIRIMURA
Muriel MOREAU
Mitsouko MORI
Anne PAULUS
Kanako WATANABE
Katsutoshi YUASA

Isao UTSUMIYA
Arnaud SCHMELTZ
Julia DASIC

La pratique artistique de Dominique Chazy se situe à la lisière du dessin et de la peinture. Diplômée de l’école supérieure des Arts Modernes de Paris, elle passede l’architecture intérieure au cinéma d’animation et participe à la réalisation de nombreuses séries et films, séjournant au Japon, en Corée, au Vietnam, aux USA . Son travail se déploie désormais autour de la fiction et du lien particulier qu’elle entretient avec la littérature, le cinéma et la musique. Tel un buvard, son univers s’articule autour d’histoires collectives, autobiographiques ou rêvées, de choses imperceptibles, de l’ idée de passage d’un état à un autre, de ce qui persiste ou non.Collage, dessin automatique, la feuille blanche devient alors un champ d’exploration où sous la forme d’un récit fragmenté, espaces réels et virtuels s’enchevêtrent. Cette matière dessinée s’offre alors au regard comme un écran sujet à de nouvelles projections.

....De larges taches de couleurs jouent avec ces accumulations, ou agglomérations graphiques, dans une palette essentiellement rose, gris, jaune, vert en tons parfois rompus (olive, ocre, lie de vin). Elles semblent parfois souligner et animer une ligne, une forme, un mouvement, un membre. Non sans une certaine intensité, parfois, faisant penser à la façon dont le corps lui-même se colore sous l'action d'une émotion, d'une commotion ou d'une brûlure. On peut ainsi penser à la façon dont Pierre Klossowski « modèle » ses dessins à l'écoute de la résonance émotionnelle de telle partie du corps représenté. Mais la tache de couleur peut aussi souvent se glisser en dessous pour faire flotter ou émerger la figure en tout ou partie. L'incertitude métamorphique du champ pictural en est encore augmentée. La couleur fait ainsi apparaître et disparaître la figure guidant le regard du spectateur dans un parcours émotionnel, l'invitant à se perdre ou à s'arrêter devant une cuisse, une épaule, une tête. Ou encore à suivre la pulsation d'un écho figural. Tout cela se complique encore de variations de matière, de transparence, d'opacité, de lourdeur ou de légèreté : la couleur se contente d'effleurer le papier blanc, teignant la lumière du fond ou se charge, s'accumule par couches ou frottements là où l'affect insiste, sans doute. Il s'agirait donc de passer de l'enveloppe du corps à l'ouverture de la chair.

Pascal Rousse, mai 2010.

Depuis plusieurs années on remarque que le gris est devenu de plus en plus foncé. Il n'y a plus de memoire du blanc ni du noir. Enfant on se demandait pourquoi le ciel est bleu?

数年前から灰色が少し濃くなったような気がしていた。 白の記憶も黒の記憶もなく、小さい頃は空はなぜ青いのかと考えていた。

avec
Antoine Carbonne
Antoine Desailly
Nicolas Descottes
Daniel Flammer
Etienne Fouchet
Suzanne Jalenques
Marie-Fleur Lefebvre
Charles-Henry de Pimodan
Guillaume Talbi
Christelle Téa

Asamï Nishimura, Curatorice

http://betweenblackandwhiteiscolor.blogspot.fr/

Olivier de Coux
Isabelle de Gouyon Matignon
Masao Haijima
Hiroshi Harada
Kanaria
Ko Song Hwa
Takesada Matsutani
Takaaki Nagashima
Yurina Niihara
Roland Orépük
Alexis Poliakoff
Léo Scalpel
Bogumila Strojna
Muneki Suzuki
Catherine Ursin
Richard van der Aa

Vers une nouvelle « Poétique de la pierre»
De la pierre est passée dans le bois, du bois est passé dans la pierre. De la pierre ou
du bois, quelque chose s’insinue, s’infiltre et se confond. Dans les veines de la pierre
et du bois des signes « hors-langue » précisent leurs formes. Jean-Jacques
Lapoirie est passé maître en phrasé des veinules, il en dresse un catalogue toujours
renouvelé.

Une couleur se pétrifie, se fixe : celle à laquelle l’intelligence des tâtonnements
donne la préférence. Ce qui est rongé de l’intérieur remonte à la surface.
Sculpteur, Jean-Jacques Lapoirie la révèle et y grave les signes qui comptent. Il a su
éviter deux écueils : celui des concepts à la mode et celui d’une décoration
qui traduirait la nostalgie d'un passé révolu.
D’où proviennent ses propositions ? D’une pratique artisanale de la sculpture, de la
fabrication du papier et d’objets divers. Leur exposition déplace les lignes, elle
transforme les représentations en des motifs dont les références s’éloignent, rompant
leurs amarres.
On peut suivre le parcours du graveur sur la matière de sa plaque. Il creuse — au
sens propre et au sens figuré — un sillon qui est le sien dans le lacis des sentiers
possibles. Jean-Jacques Lapoirie construit des espaces hybrides, par un dispositif de
productions foisonnantes, afin de perdre ses repères - tout en préservant la surprise.
Sortie du bois, sortie de la pierre, on peut évoquer ici la déterritorialisation et les
mouvements propres au règne naturel : aux saumons, aux sauterelles, aux tempêtes
solaires ou magnétiques... D’une matière organisée dans ses frictions, ses
modifications infiniment variées, Jean-Jacques Lapoirie donne à voir les
« résultantes » : un moment donné de la pointe acérée qui ouvre l’impatience d’un
tourbillon, de flux, de courants. Il déplace les modes d’emboîtement en instaurant les

combinatoires d’univers possibles.

Jean-Louis Vincendeau

Nous essayions d’exprimer la notion de temps depuis que ce concept existe.

Visualiser le temps, c’est une chose très difficile même si on peut l’imaginer de manière abstraite.
Le dispositif visuel de Toshiya MOTAI « le chalet de vue pour la peinture » possédant plusieurs fenêtres, permet d’observer le temps et les modifications de la nature en regardant continuellement à travers différentes vues « encadrées » comme lorsque l’on regarde le ciel ou les étoiles se mouvoir à partir d’un point fixe.
De plus, l’instant représenté dans l’encadré n’est pas que la représentation du moment actuel, mais également la mémoire du passé. Ainsi, il s’exprime par l’intermédiaire de cette représentation du temps.
Il s’est inspiré du BYOBU, paravent japonais et a fait des peintures liées qu’il a nommées « TA », correspondant aux vues de ce dispositif ou au format oblong de ses fenêtres.
En ajoutant l’expression de la nature au BYOBU qui était, à l’origine, un simple paravent (d’où le sens du mot Kanji « BYOBU » composé des Kanji « vent » et « gêner »), cela permet de sentir le vent et de se relier au Monde.
Mais ce n’est pas la reproduction exacte qui en est faite. Il le peint comme il le ressent et non comme il le voit.
En règle générale, le concret se mêle à l’abstrait. Les œuvres s’expriment par l’apparence ou par ce qui vient de l’intérieur ou de l’esprit.
Chaque élément de la nature représente une variété d’évènements invisibles que représente Toshiya MOTAI.
Il explique que c’est sûrement par l’inspiration des « Correspondances » de Baudelaire que ses œuvres sont calmes et imposantes.

Critique d'art : Takao OKAMURA

時間という概念が生まれた時から、それを表現しようと様々な試みがなされてきた。
時間は、抽象的なる時間は知ることはできるかもしれないが、それを視覚化する困難さは大きい。
母袋俊也による様々な大きさの窓がつけられた、視覚体験装置「絵画のための見晴らし小屋」は、定点観測として持続的に眼前の世界を見ていくことにより時間を知ること、自然の移り変わりを知ることができると共に、切り取られた瞬間の彼方は現在ではあるが、切れ切れの過去の、記憶の総体でもある。このようにして彼方と此方のやり取りが始められ、表現へと移し替えられる。
彼はそのような装置を使って見える風景、とりわけ横長の窓から見える風景を、屏風から着想した複数のパネルが連携する絵画へと仕立て、TA系と名付けた。
本来、風を屛（しリぞ）ける機能を持って考え出された屏風は、そこに自然を表現することによって、風をも感じさせ、外の世界と共有される。
しかしそこでは単なる再現が行われるわけではない。見たとおりに描いているのではなく、言わば表現者が思った通りに描いているのだ。
抽象的であると同時に具象は保たれる。しかし、そこには外観から受ける思念は、内奥に生まれるものは、精神は表現されない。
母袋俊也はそれを表現する。森羅万象の奥に潜む、見えざるさまざまな事象を表す。 おそらく、彼の作品が静かに圧倒的なのは、ボードレールの言う「コレスポンダンス」を体現しているからなのだろう。

美術評論家 岡村多佳夫

"Le temps fait son œuvre. Et toi, être humain?" écrit Stanislaw Jerzy Lec, dans ses Nouvelles pensées échevelées.
La poétique du fragment dont les œuvres présentées semblent se revendiquer,

porte en elle une ambiguïté qu'il s'agit ici de dégager :si chacune d'elles fait montre d'une intimité avec le temps dont elles portent la marque, ni érosion progressive ni brusque anéantissement ne les ont façonnées.
Ainsi, elles ne témoignent plus tout à fait du passage du temps ou des fureurs de l'histoire.
Ruines de l'ici et du maintenant, elles semblent dès lors jouer de ce paradoxe pour signifier depuis leur fragilité. En un sens, elles manquent de temps, traduisant par là l'urgence que nous impose la condition de mortel.
Elles sont radicalement de main humaine, mais dès lors que cette main est consciente de sa disparition, qu'elle appose la marque de son propre effacement.
Ces fragments ne sont jamais fragments que d'eux-mêmes: allant jusqu'à renoncer à leur statut de symbole ou d'énigme, ils tendent à désigner la perspective inquiète du "sans-nous".
A l'absence de l'histoire, répond l'absence de témoin survivant.
Condition végétale, animale et divine apparaissent alors comme autant de dimensions anhistoriques, arrachées à la temporalité que les hommes prétendent posséder en propre.
Entre inhumain et surhumain, voilà que les artistes nous rappellent, à la façon des fossiles, la contingence du règne humain, aussi miraculeux que miraculé.

SJ

Sophie DUTERTRE, lithographie, France
Sabine FINKENAUER,lithographie,Allemagne
Akané KIRIMURA,gravure,France
Muriel MOREAU,gravure,France
Mitsuko MORI,sérigraphie,France
Anne PAULUS,gravure,France
Go SEGAWA,impression pigmentée,France
Katsutoshi YUASA,gravure sur bois,Japon

Mosquito ne fait pas référence à un moustique mais à un indigène ayant vraiment existé et qui aurait vécu dans les mêmes conditions qu’Alexander Selkirk, cet Écossais qui a inspiré Daniel Defoe pour L’écriture de Robinson Crusoé. (À mon avis, étant indigène, il semblerait qu’on n’ait pas trouvé important de raconter son histoire). Robinson et de Vendredi, tels qu’ils sont vus par Michel Tournier, forment à mes yeux l’archétype de l’artiste à cause de la rigueur et la volonté de maîtrise qu’a Robinson, alliées à la spontanéité de Vendredi (qui me semble né de l’esprit de Robinson dû à l’isolement de celui-

ci). L’idée de cette exposition est de constituer comme un mini musée anthropologique offrant à la vue du public des objets nés durant le séjour d’un Robinson (ou comment un artiste naufragé réagirait sur une île déserte). Si selon Duchamp, c’est le spectateur qui fait oeuvre, que devient l’objet s’il y a absence de regardeur ? Pour qui crée un artiste naufragé.

Si je suis seul sur une île déserte, comment être artiste aux yeux d’un Autre absent ? Une pensée animiste peut naître de la solitude et ainsi conférer aux objets une pensée magique. Suis-je un être parmi des objets? ou un objet parmi des objets ? Un créateur parmi des créatures ? (de là un lien avec les oiseaux jardiniers qui me paraît évident)

Dans ce musée, on pourrait trouver, si tout va bien :
1) Une série des poupées fétiches qui fait référence aux enfants de Robinson (dans Vendredi ou les limbes du Pacifique, ce sont des petites mandragores nées de son union avec un arbre). C’est aussi la première fois que je fabrique des formes anthropomorphiques. 2) Deux bandes de terre avec du blé en train de germer (clin d’oeil à la tentative d’agriculture de Robinson, et au nom de l’argent en argot, bien sûr).
3) Un ensemble de 4 enceintes en noix de coco avec mini - ampli diffusant un extrait de chant de l’oiseau-lyre. Je le vois comme une alarme pour se défendre d’éventuels prédateurs.
4) Une partie de mon abécédaire exotique.
5) Un ou deux dessins palimpsestes, dessins sur papier fabriqué par mes soins. Est-ce qu’on peut dire que nous vivons tous sur une île déserte mentale ?

Samuel Trenquier
Février 2016

Mosquitoは蚊を意味するのではなく実在したとある原住民（ホンジュラス・ニカラグアに住む民族）のことである。
ロビンソン・クルーソーを執筆したイギリスの小説家ダニエル・デフォーがモデルとしているとされる実在の人物アレクサンダー・セルカークと同じような状況で生きた人物である。彼は原住民であったためか歴史上で注目される事はなかったのであろう。
この展覧会ではロビンソン・クルーソーが漂流した滞在中に生まれた数々のオブジェを人類学的なミニ美術館として公共の場に提示する試みである。
（または無人島に漂流した作家がそこでどのような反応を起こすかという試み）
美術家マルセル・デュシャンによると美術作品とは鑑賞者が作り上げるものである。
もし自分（アーティスト）が無人島にひとりぼっちでいるとして、他者（鑑賞者）の視線なくしてどのようにアーティストになれるのだろうか？
もしかすると孤独による寂しさからアニミズム信仰が生まれるか、もしくはオブジェに呪術的な意味を与えるのかもしれない。アーティストはオブジェの中に 自己を見いだすのか？自己をオブジェの中の一部と見いだすのだろうか？創造物の中の創造者になるのか？この展覧会では以下の展示を行う予定である。

１つ目は現代フランス作家でありロビンソン・クルーソーについて書かれたミシェル・トゥルニエの著書である『フライデーあるいは太平洋の冥界』（1967 年）のなかにでてくる、ロビンソンが木と結合して生まれたといわれる小さな木に着想を得たフェティッシュな人形である。
擬人化された作品を作るのは今回初めての試みである。
２つ目はロビンソン・クルーソーに着想を得た土と発芽のインスタレーション。
３つ目はメヌラ鳥の鳴き声が流れ出す４つのココナッツからなる音響装置。
捕食者から身を守る為の警報機のようなものである。
４つ目はエキゾチックで風変わりなアルファベットの一部。
５つ目は私自身が細心の注意を払って作った紙の上に仕上げたデッサン。
はたして私たちは頭の中で無人島で生きていると想像できるだろうか？

サムエル　トランケ2016年2月

<< Territoires incertains >>

Ici, quelque figure, et là, quelque territoire, incertains…

Depuis 1991 et toutes ces années passées à peindre, ne subsiste aujourd’hui qu’une certitude :celle d’être incertain du sens produit dans chacun de ces petits territoires picturaux que j’ai pu réaliser…

et peut-être y a t’il eu un jour la perception, ne serait-ce que fugace, de la direction à suivre en peinture ?Mais ce temps n’est plus et surtout, ce n’est pas ce qui me préoccupe à l’atelier…

En effet, seul compte l’équilibre final de chaque toile réalisée…équilibre qu’une sommation irréductible en moi - que je ne saurais vraiment définir - m’impose de respecter et de ne plus modifier.

Ainsi, ces peintures se feraient donc par ma main, mais dictées par une «inconscience« qui agirait comme bon lui semble, ne me secouant qu’à un moment final où je dirais «oui, c’est fini, n’y touchons plus« ?

«Mais c’est tragique !« me direz-vous…Pas tant que ça…

A l’atelier, l’aveuglement est de mise et s’il n’était que mauvais conseiller, je ne peindrais plus depuis longtemps…et il me semble déceler dans cet abandon actif un cercle vertueux oeuvrant à la réalisation de travaux que mon énergie seule ne permettrait pas.

Ici, quelque figure, et là, quelque territoire, incertains…et quoi d’autre ? Et bien, je ne sais pas…ou je ne veux pas savoir…

Mais il reste aujourd’hui cette furieuse envie de peindre au sein de ce malentendu fragile et permanent qu’est ma vie, malgré le fait, qu’hélas, la peinture ne rend pas meilleur, ni heureux, elle rend juste un peu plus seul.

Ici, quelque figure, et là, quelque territoire, incertains…

Philippe Croq janvier 2016

≪不確かな領分≫

ここにはいくつかの形が、あそこには、いくつかの領分が、それは不確かである。
1991年以来、絵画に費やした長い時間は、確かなこととして残っている。
自分が実現した小さな絵の領域のそれぞれの中にある不確かな意味合いのある産物、もしかするとある日の知覚か、はかなさであったり、絵画の方向性についていくこと？
しかし時は過ぎ去ってしまうし、そのことはアトリエで気にかけない。

確かに、それぞれ具現したキャンバスの最終的な均衡は、自分には簡略化の意味しかないし、実際には定義をせず、尊敬することや修正をすることを強いない。

たとえば、この絵画は手業で行われている、しかし、
«これで終わりだ、もう手を触れることはないか？«と自分に問いただす最後の瞬間は無意識な指示である

«大変なことだ、そこまでやったのに... «

アトリエでは、我を忘れて没頭するのは当たり前で、もし、不適当な助言だけしかなかったら、私は長い間、絵を描いていなかった。そして、自分の唯一のエネルギーを認めていない作品の実現に尽力しながらの好循環での活動中のこの放棄を見つけ出したような気がする。

ここには　いくつかの形が、あそこには、いくつかの領分が、それは不確かである。
そして、他には何がある？
自分は知らないし、知りたくもない...

しかし、今現在も、壊れやすい誤解と絶え間ない私の人生に包まれた絵画への激しい欲望は残っている。　絵画はよりよいものを取り戻さない、幸福もそうである。
絵画はほんの少しの孤独を取り戻させる。

ここにはいくつかの形が、あそこには、いくつかの領分が、それは不確かである

フィリップ・クロック　2016年1月

Née à Berlin d’un père peintre/architecte russo-suédois et d’une mère japonaise, Fuzjko Hemming retourne au Japon avec ses parents à l’âge de 5 ans, juste avant le début de la seconde guerre mondiale. Son père rentre en Suède et sa mère commence à l’élever seule. C’est elle qui lui donne ses premières leçons de piano.
Après l’Ecole de Musique de Tokyo (actuel Conservatoire Supérieur de Musique et des Beaux- Arts de Tokyo), Fuzjko Hemming poursuit ses études à l’Institut de Musique de Berlin. Elle est engagée comme soliste à Vienne par Bruno Maderna, l’un des plus grands compositeurs et chefs d’orchestre du siècle. Là, elle bénéficie aussi de conseils de Leonard Bernstein. Mais suite aux complications d’un simple rhume, elle perd l’ouïe juste avant un récital, infortune terrible pour une pianiste… Elle retourne au Japon en 1995 après le décès de sa mère. Un documentaire de la chaîne NHK, diffusé en 1999 lui est consacré et retient largement l’attention du grand public, et son premier CD « La Campanella » se vend à plusieurs millions de copies, une exception dans le monde du classique. Fuzjko Hemming est une « inoubliable pianiste » selon Mischa Maisky, qui ne tarit pas d’éloges sur elle.
Par ailleurs, Fuzjko cultive depuis l’enfance un talent pour la peinture et organise de nombreuses expositions à travers le monde. Maxim Vengerov dira même de Fuzjko Hemming : « Je suis admirateur de votre art, votre musique et votre peinture ».

ロシア系スェーデン人で画家/建築家の父と日本人の母を両親として、ベルリンに生まれる。
フジコ　ヘミングは5歳の時、第二次世界大戦が始まる前に両親と日本へ帰国したが、その後、彼女の父はスイスへ戻り、母は一人手でフジコを育て、母の手ほどきでピアノを始める。東京音楽学校（現在は東京芸術大学音楽学部）を卒業し、ベルリンにある国立ベルリン音楽学校で勉強を続けた。彼女はブルーノ・マデルナという、偉大な指揮者、そして当時のオーケストラのシェフのソリストとしてヴィエンヌのコンサートに参加した。そこで、彼女はレオニード・クロイツァーからの薫陶も受ける。しかし、リサイタル直前に風邪をこじらせ、聴力を失ってしまう。
1995年、母が亡くなった後、フジコは日本へ帰る。4年後の1991年にNHK放送のドキュメンタリー番組が放映されて大きな反響を呼び、初めて発売されたCD「奇蹟のカンパネラ」は、200万枚を超える売り上げ（2012年4月現在）という、クラシック界異例の大ヒットを記録した。ミシャ・マイスキーは《忘れ得ないピアニスト》として、称賛を送っている。
その一方で、フジコは幼少期の頃から絵画の才能を発揮し、世界を又に掛けていくつもの 展示会を開催している。マキシム・ヴェンゲーロフは“私はあなたの芸術、あなたの音楽の崇拝者です”と述べている。

共催：Orpheus creations

協賛：News Digest

Nassim ALAMIN　ナシム　アラミン
Hyun Joo CHOI　ヒュン　ジョ－　チョイ
Olivier de COUX　オリビエ　ドゥ　コ－
Philippe CROQ　フィリップ　クロック
Yoko FUKUSHIMA　ヨウコ　フクシマ
Isabelle de GOUYON MATIGNON　イザベル ドゥ ゴウヨン マティニョン
Pascal GUICHARD　パスカル　ギシャール
Hiroshi HARADA　ヒロシ　ハラダ
Zhong Yi MA　ツォン　イ　マ
Motoko MURAMATSU　モトコ　ムラマツ
Riten OTSUKA　リテン　オオツカ
Haruhiko SUNAGAWA　ハルヒコ　スナガワ
Mitsuaki TSUDA　ミツアキ　ツダ

Films courts, sélection Brigade des Images 2015 : Sébastien DURANTE, Cornelia EICHHORN, Ben JUDD, Jared KATSIANE, Lucie MERCADAL, Javi NAVARRO, Jean PREVOST, Bastien SIMON, Céline TROUILLET.

Ce projet a été imaginé grâce à deux livres : l’un de Béatrix le Wita « Ni vue ni connue », une approche ethnographique de la culture bourgeoise en France et l’autre de Richard Hoggart « La culture du pauvre », une étude sur le style de vie des classes populaires en Angleterre.
D’après nos politiciens et nos médias, les différentes classes sociales ont disparu. Néanmoins, les riches sont devenus plus riches et les pauvres, plus pauvres.
Cette exposition et ces films abordent cet escamotage, là où le bât blesse.
Laurent Quénéhen, commissaire du projet

ブリガードデイマージュ選定、2015年度短編映画集：
セバスチャン・デュラント、コーネリア・アイヒホルン、ベン・ジュード、ジャック・カチアヌ、ルーシー・メルカダル、ヤヴィ・ナヴァロ、ジャン・プレボスト、バスティアン・シモン、セリーヌ・トゥロイエ

このプロジェクトは、2冊の本により考案された。1冊目は、ベアトリス ル ウィタの作品の仏国の中級階級文化の民族学アプローチの書 « Ni vue ni connue »、そして2冊目は、英国の庶民階級の生活様式の研究書« La culture du pauvre »である。政治家やマスコミによれば、社会的階級の差は消え去ったという。しかしながら、裕福な人々はより裕福になり、貧しい人々はより貧しくなっている。
今回の展示とフィルム作品は社会の弱点とごまかしに取り組むものである。

展覧会運営委員　ローラン・ケネアン

木下恵介展 “線と写生”
木々の繁る道、足元に生える草花、遠くにみえる山々の連なり、あるいは水面のきらめき・・・これらは私たちを包む自然の一部である。季節、そして年月とともに着実に変化しながらも、普遍的なもの―木下恵介は、常にこれらの身近な情景について心にとめ、これまでの作品の中にも、その要素は折に触れて描かれて きている。 そして同時に、それらと寄り添うようにして作品に繰り返し表れてきたのが「線」である。エッチングによる細く密集し入り組んだ線から、リトグラフやリフトグランドなどによる力強い筆跡がそのまま伝わる太い線、あるいは、リトグラフの油性インクを直接塗り重ねた均一な線。技法を問わず、あらゆる可能性を探求 し続けている。また、これらの線と線が交差することにより新しい動きが生み出され、全体の印象も変化してゆく。線を引くということは、それ自体は非常に単純でありながら、多様な表情を生み出し、多くを語る行為なのである。風景と線。木下の作品の中では時にこれらの二つの要素が組み合わされ、また溶け合い、お互いに補完しあう。線を引くその過程は、私たちを取り巻く風景を解釈する様々な試行錯誤と等価であり、その延長線上に、自然がいつもと同じようにそこに存在しているのである。
愛媛県美術館 主任学芸員 杉山はるか

« Ligne et esquisse − 2 »
Le chemin dans les bois, des fleurs et des herbes au près, la succession de montagnes vues au loin,ou encore, le rayonnement de la surface d’eau ; ce sont des éléments de la nature qui nous embrassent. Ces phénomènes changeants au cours des saisons et des années s’inscrivent dans l’universalité.
Ces paysages quotidiens gravés dans sa mémoire, l’artiste Keisuke Kinoshita continue à les exprimer dans sa création, en toute occasion, jusqu’à présent. En parallèle, « la ligne » est constamment présente dans ses oeuvres. Des traces extrêmement fines et enchevêtrées dans ses tirages à l’eau forte, des larges traits dont l’énergie brute se transmet par le moyen de la lithographie ou de l’aquatinte au sucre, des couches de lignes uniformes à l’encre gras qui sont directement appliquées sur le support. L’artiste cherche toutes les possibilités d’expression en franchissant la frontière entre les différentes techniques. Tracer une ligne − le geste simple en soi − est un acte qui réalise des figures complexes, et donne la parole avec abondance. Dans les ouvrages de Kinoshita, le paysage et la ligne se composent, fusionnent, et se complètent. Son acte de tracer une ligne équivaut à une tentative de comprendre le paysage réel qui nous entoure, et sur cette ligne de prolongement, la nature demeure comme toujours, ici et là-bas.
Haruka Sugiyama
Conservatrice en chef du Musée d’art de la préfecture d’Ehime

4人の現代作家がデッサン、彫刻、ビデオ、写真を使って身体と夢をテーマに表現する。ドミニク-シャジィはフランスパリ在住の美術家であり、おもにデッサンを使って 夢と現実の間を揺れ動きながら、家族などの近しい人間関係を巡って自伝的なテーマを物語的に解釈しながら描く。ロラ-B-デズワルトはパリ近郊クレテイユ生 まれの作家である。彼女の作品はルイス-ブルジョワやバージニア-ウルフなどの２０世紀において女性としてのアイデンティティを追求した作家たちと似通っているところがある。幼少期の思いでなどの過去の記憶をテーマにデッサン、インスタレーション、3Dなどの映像作品を生み続けている。ユマ-ローゼンタルスキーはドイツのドルトムント生まれの写真家である。ごく日常の中で家族などの身近な人々を撮った作品は親密である。作品はまるで一つの舞台装置のようであり、見るものに儚い印象を与える。映像作家ジャン-アルノー-フィルトネスはアイルランド生まれのフランス人作家である。夢やフィクションなどをテーマに映像制作を行っている。

Les Insectes
A l’origine de cette exposition sur les insectes, il y a le texte de Vincent Ravalec, puis une rencontre avec l’artiste Peggy Viallat Langlois. Des mots de l’écrivain, un papillon s’envole et entraine dans son battement d’ailes des répercussions en chaines : les éditions du Bourdaric proposent alors à cinq artistes : Frédéric Arditi, Klervi Bourseul, Raphaelle Lavaud –Bonnard, Nathalie Tacheau et Peggy Viallat Langlois, d’intervenir directement sur les livres dans une correspondance picturale et esthétique avec le texte. Aucune erreur n’est envisageable, les dessins se composent à main levée, chaque édition est un risque, une pièce unique. A la suite de ces éditions originales, une exposition se met en place dans la Galerie Grand E’terna et une sixième artiste japonaise s’ajoute au projet : Kyoko Dufaux. Le début de l’été est l’occasion de les découvrir tous ensemble, les apercevoir un moment, effleurer leurs ailes légères et colorées, goûter un vol sensuel et décoller des pavés parisiens dans un battement d’ailes. Laurent Quénéhen, commissaire de l’exposition

インセクト
展示会「インセクト」は、フランス人文筆家、映画監督、シナリオ作家のヴァンサン・ラヴァレックの原文と、フランス人作家ペギー・ヴィラ・ラングロワとの出会いから生まれた。 作家の言葉“1匹の蝶が飛びたち、連続的な影響を及ぼす羽ばたきが人を魅了する”それは、ブーダリックギャラリー出版が、絵画的な調和と原文の美しさをダイレクトに表す本にするために、5人の作家、フレデリック・アルディティ、クレルヴィ・ブーセル、ラファエル・ラバウド-ボナール、ナタリー・タショ、ペギー・ヴィラ・ラングロワを提示した。誤りは予想し得る事ではなく、デッサンは挙手により構成され、各々の出版にはリスクと特異性が存在する。

これら初版本の後に、展示会がギャラリー・グランエターナで行われ、6人目に、日本人作家 恭子・デュフォが参画する。 初夏は、全ての人がそれらを見出し、瞬間を垣間見、軽やかで色鮮やかな翅に触れ、官能的な飛翔を満喫し、羽ばたきの中でパリの街路を飛び立つ機会である。

展覧会運営委員　ローラン・ケネアン

Mardi 26 mai 18h30～20h30 :
<Signature du Livre d’Artiste ”Questions”：poèmes d’Alain Jouffroy,gravures d’Akané Kirimura > en présence du poète et de l’artiste avec la participation des Éditions R.L.D.
19h～ :
Lecture des poèmes par Alain Jouffroy & Akané Kirimura

５月２６日、19時よりアラン・ジュフロワによる詩の朗読、１８時３０分より２０時３０分まで、エディションRLDより出版されるリーヴル・ド・アーテイスト“Questions”(詩：アラン・ジュフロワ,銅版画：アカネ・キリムラ)の出版記念発表が詩人、アーティスト同席の上、行われる。ジュフロワ氏はシュールレアリストと多くの交流を持ち、美術評論家としても知られる。

<ESTAMPE+> est une expositon collective d’estampes composée de neuf artistes travaillant dans différents pays (USA,Suisse,Maroc,Japon,et France). Les estampes choisies en fonction de leur originalité et de leur technique différente sont très aventureuses et dépassent le travail de l’estampe au niveau artistique.
Anne Gilman(USA) étale de l’encre sur des carreaux de sol et imprime sur du papier 96.5x223.5cm, Sandro Godel(Suisse) utilise la technique de l’hélio gravure avec sa sensibilité, Tibari Cantour(Maroc) fabrique son propre papier sur lequel il imprime la gravure avec de chaleureuses couleurs, Takuji Hamanaka(Japon,USA) fait de la gravure sur bois avec du BAREN(outil traditionnel japonais), Mitsuko Mori(Japon,France) expose des sérigraphies géométriques inspirées,Go Segawa(Japon,France) sculpteur s’est essayé à l’impression pigmentée en deux dimensions,Yaya Herman Dune(France) musicien artiste expose des lithographies, Anne Paulus(France) et Akané KIRIMURA(Japon,France) utilisent la technique de l’eau-forte avec chacune leur originalité.

<ESTAMPES+>
　<ESTAMPES+>はアメリカ、スイス、モロッコ、日本、フランスでインターナショナルに活動する9人のアーティストによる版画展である。それぞれの独自性と多彩なテクニックにより表現された版画は冒険に満ちアーティスティックな意味において版画の域を超えた広がりを見る者に感じさせる。
　アンヌ・ギルマン（アメリカ）は床に敷かれた古いタイル（又は石）にインクを塗り付け96.5×223cmの紙に刷り、サンドロ・ゴーデル（スイス）はヘリオグラヴュール（写真技法の一つ）の技法を使ってその繊細な感性を表現する。チバリ・カントウール(モロッコ)の版画は自身で製作した紙のマチエールと暖かみのある色が美しいハーモニーを醸し出す。タクジ・ハマナカ（アメリカ・日本）は日本の伝統的な技法のバレンを使って軽やかな抽象の世界を創り、ミツコ・モリ（フランス・日本）は限定された色と形の幾何学抽象をシルクスクリーンで発表する。立体作家のゴウ・セガワ（フランス・日本）はデジタルプリントでアクリル板に刷る二次元の表現に挑戦、ミュージシャンでもあるヤヤ–ヘルマン・デューヌ（フランス・スエーデン）はその独特な物語性をリトグラフで、アンヌ・ポーリュス（フランス）は腐食されたジンク板を構成して白黒のくっきりした空間を創り出し、アカネ・キリムラ（フランス・日本）は生命のテーマを銅版画とタイポグラフィーを使って刷り上げる。
　今回の展示では又、それぞれの作家の同じサイズの小品各４点を一つのスペースに構成するがそれが生み出す効果も興味深い。